C’est une nouvelle série qui commence. J’avais  dans l’idée de débuter par « ‘Marcher’, qu’ils disent », ce sera ‘Manger’, qu’ils disent d’abord. Un verbe à l’infinitif pour bien montrer l’injonction et « qu’ils disent » parce que c’est ce que j’entends tous les jours à la radio, dans la rue, ce que je lis dans mon journal ou à l’écran :  vous devez manger cinq fruits et légumes par jour, vous devez marcher 30 minutes chaque jour…Vous devez, vous devez, vous devez… .» Etonnez-vous que votre tête enfle chaque jour un peu, beaucoup, énormément . 

.2012,  l’année de la gastronomie à Bruxelles. C’est le concept choisi par la Région de Bruxelles-Capitale pour attirer les touristes venant de tous pays et animer de l’intérieur l’agglomération bruxelloise qui forme la troisième composante de l’Etat belge. C’est tout autant une grande opération touristique  à effet international, européen  et national qu’une belle politique de communication institutionnelle qui s’inscrit dans une vision dynamique de marketing territorial large. L’’idée centrale est que  Bruxelles est au moins pendant un an la capitale mondiale de la nourriture et de la gastronomie.

Cinq niveaux d’acteurs et/ou d’organismes peuvent être distingués. Une association a d’abord été créée pour regrouper tous les professionnels volontaires intéressés - les restaurateurs, les patrons de bar en lien avec les producteurs de Champagne ainsi que les producteurs de différentes spécialisations gourmandes tels que chocolatier, brasseur...,  participant à l’opération « 2012 Bruselicious ».  En face d’eux, les écoliers et étudiants pour lesquels une grande exposition pédagogique est conçue et surtout, surtout tous les amateurs et curieux qui pendant toute l’année 2012 vont être les véritables vedettes d’une opération à la fois ambitieuse, originale et innovante.

. 1. « Brusselicious 2012 » organisé par La Région de Bruxelles Capitale. C’est une très grosse opération évènementielle annuelle menée par la Région de Bruxelles-Capitale, présentée sous forme d’un dépliant très attirant. La version française que j’ai sous les yeux a choisi, pour représenter la gastronomie de la ville des choux de Bruxelles dans un cornet grande taille de frites, la version flamande un cornet de moules. Au-dessus, sur deux lignes, « VisitBrussels, Sized for Events », en dessous la mention en deux lignes« Brusselicious, 2012 Année gourmande » puis « www.brusselicious.be »

Une fois dépliée, la page intérieure est composée de deux grandes parties. Les deux colonnes dépliées à gauche précisent les opérations valables toutes l’année. Quatre propositions sont faites, avec à chaque fois innovation et liberté de choisir :

. en haut, des menus Brusselicious avec à chaque saison trois ingrédients bruxellois – des choux de bruxelles par exemple- pour les trois services des menus des restaurants adhérant au programme et des bars qui proposent une dégustation de trois champagnes avant de choisir sa préférée qui vous sera servie ;

. en bas, un cycle de 24 films tous axés sur la gastronomie –tiens, coucou, revoilà le mot- à raison de 2 par mois, suivie à la fin de la projection d’une dégustation en lien avec le film. Un repas complet se déroule sur l’année. Cerise sur le gâteau, des films à public familial sont programmés le samedi après-midi. En grande photo pour faire le lien entre le champagne et le cinéma une photo d’un bar avec cinq hommes et une femme assis-e-s.

. « A table ! » présente les grandes lignes de l’expo présentée plus bas. En photo, des macarons de toutes les couleurs. 

Les quatre autres colonnes sont consacrées à la description des programmations spéciales de 6 mois choisis pour rythmer l’année 2012: mars, avril, mai, juin, septembre et novembre ; chaque mois se caractérisant par une série variable d’évènements déterminés :

. Mars : Etape bruxelloise de l’Omnivore Food Festival au Heysel / Concours gastronomique du Bocuse d’Or / les artistes s’emparent des icônes bruxelloises de la nourriture,                                                                                                            

. Avril : Chasse  aux œufs / Tenue de Belgovino, le salon belge du vin / Challenge Black Russian Cocktail (vodka + liqueur de café),

. Mai : Tea World Rendez-Vous / Parcours Brusselicious dans les Musées,

. Juin : Pique-Nique chaque dimanche dans un des parcs de la ville / Culinaria Summer, avec des menus composés par quatre chefs étoilés / Brussels Wine Week / Dinner in the Sky, sur une plate-forme à 40 mètres du sol, en 4 lieux de la ville, avec aussi des grands chefs étoilés aux commandes,

. Septembre : Week End de la Bière Belge / Brusselicious Festival, avec une centaine de pavillons et les plats emblématiques des grands restaurants / Goûter Bruxelles à tendance Slow Food, avec plus de 100 activités, 70 restaurants dans 19 communes,  

. Novembre : Semaine du Chocolat / Brussels Beer Challenge en sa première édition pour sélectionner les meilleures bières du monde / Festival des Fritkots (= friteries), avec un plan pour sélectionner les meilleurs dans les 19 communes de la région de Bruxelles. 

La page externe qui inclut en première colonne les deux couvertures avec choux de Bruxelles d’un côté et rose flashy de l’autre, est très différente dans sa présentation. Il s’agit là de montrer l’envergure évènementielle de la découverte de la Région de Bruxelles dans sa version Bruselicious avec trois balades gourmandes axées sur le sucré, le best-of de Bruxelles et la belgitude des choses et des produits créés spécialement pour l’année (des chocolats et de la bière). Toute l’année sont proposés des repas gastronomiques sur réservation dans un tram design de couleur blanche qui permettent de découvrir la ville autrement.   C’est certainement la proposition la plus innovante du programme. 

. 2. L’exposition «  A table. Du champ à l’assiette » à Tour & Taxis. Cette exposition a été conçue par tempora s.a., une agence belge de création d’expositions  pour faire découvrir de façon pédagogique la complexité de l’acte de manger décomposée en cinq séquences, à savoir « cultiver, transformer, manger, imaginer », savourer pour « gastronomie » dans le texte.

Toutes les facettes de l’acte de mangervont être utilisées tout à tour sous un aspect de « pédagogie ludique ». Citons les expositions, des films, des ateliers de cuisine et/ou de dégustation, des présentations par des « grands cuisiniers » et l’appel à des artistes qui ne disent jamais non. Le positionnement d’une telle focalisation part de ce qui se passe du « champ à l’assiette » -  pour reprendre un concept utilisé par des publicitaires français en 2005 pour vanter « le bien manger » aux enfants et aux étudiants essentiellement -  jusqu’à la remise d’une recette de cuisine belge. La démonstration pédagogique se fonde sur un constat non contestable : d’un côté la faim existe, les émeutes des pauvres n’ont jamais cessé et de l’autre en pays dits riches la malbouffe cause des ravages plus ou moins visibles ; on meurt de plus en plus de déséquilibres alimentaires, avec de fortes surcharges pondérales ou des anorexies morbides. Mais ça, c’est marqué en page 5 du A4 plié en trois, l’endroit le moins visible du dépliant. Ce que l’oeil retient est la croqueuse du monde.

Le visuel de la plaquette montre en effet une jeune femme blanche et très jolie, dont on ne voit que la jolie bouche rouge et les dents blanches s’apprêter à avaler le monde qui se tient au bout d’une fourchette. Cette photo se veut rieuse à l’image de la jeune dame, nouvelle Eve des temps modernes. Elle est encore tristement vraie alors que des pays à fort taux de dénutrition, où la famine existe encore vraiment, continuent à produire des aliments d’extra-luxe pour des pays riches, sans pouvoir assurer leur propre auto-suffisance alimentaire. Il y a ce que disent les quelques  mots pour soulager notre bonne conscience, les mots très nombreux pour dire le plaisir infini et jamais satisfait de manger dans une sociologie du toujours plus et le visuel qui montre une vision quasiment « coloniale » des relations internationales alimentaires complètement dépassées ou qui devraient l’être. 

3.  L’Expo « Sweet Candy » au Musée bruxellois du Moulin et de l’Alimentation. Elle présente « une histoire sucrée de la confiserie » jusqu’au 31.08.2012. Son activité n’est pas seulement centrée sur le sucré mais c’est le thème très large que le musée a choisi pour cette année gourmande même si le lien n’est pas fait. Le choix vient essentiellement du choix de l’enfant en visiteur privilégié. En visite familiale, il ne paie pas de droit d’entrée jusqu’à 12 ans.  Au menu des activités sucrées, des visites gourmandes, des démonstrations à thème selon les catégories de bonbons (guimauve, caramels, nougat, sucettes) et des ateliers pour gourmands créatifs ou des stages sur l’histoire des bonbons. Il existe aussi des conférences comme celle que fait  Pierre Leclerc (Université Libre de Belgique) sur Lancelot de Casteau et les premiers traités de confiserie à la Renaissance. Un des prochains évènements annoncés aura lieu les 17 et 18 septembre prochain à Evere lors des Journées du Patrimoine au Moulin. 

Quelques mots pour finir. Peut-être parce que justement on a pris conscience que l’accès à la nourriture demeure un idéal non assuré dans le monde pour des millions d’êtres humains, la gastronomie reste peut être encore plus que par un passé récent une valeur sûre du bien-être en société. Bien manger est toujours présenté comme un luxe accessible du et la sortie au restaurant demeure la première activité culturelle, en particulier des Français. Au vu de cette année 2012 de la gastronomie, les Belges à mon avis doivent partager cet engouement gastronomique.  

Pour suivre le chemin

 . La grande exposition a lieu encore quelques jours, jusqu’au 6 juin 2012 à Tour & Taxis à Bruxelles, à voir sur  www.expo-a-table.be; le dossier de presse est à consulter sur  http://www.foiredelibramont.be/wm-media/news/atable_fr.pdf

. Retrouver l’agence « tempora s.a. » sur http://www.expo-terra.be/nous-contacter/qui-sommes-nous.html

. Voyer le programme des activités du Musée bruxellois du moulin et de l’Alimentation sur www.moulindedevere.be

. Découvrer Lancelot de Casteau  sur  http://fr.wikipedia.org/wiki/Lancelot_de_Casteau où les plats sucrés appartiennent au quatrième service.

. Photos EP à partir des plaquettes + Friterie Place Flagey. Je confirme que les frites y sont vraiment exceptionnelles.  

Ces deux publicités de caravane des années 1960  ont réellement peu de chose en commun, à part la caravane bien sûr et la présence de ‘vraies’ personnes.

La « Thompson Caravan ». Comme son nom l’indique, elle est anglaise. Il y a beaucoup de recherche dans ce visuel pourtant si daté grâce à la mise en valeur de la production de l’entreprise productrice, la fierté de ce dernier qui affiche son nom au-dessus du local de vente, qu’on imagine à côté de l’usine dans une zone industrielle qui ne disait pas son nom…  Pas une feuille d’arbre ne traine au sol, ni une mauvaise herbe. Tout est « under control » (sous contrôle). Le fond gris moutarde ou jaune grisé, à votre choix, n’a qu’un objectif, celui de faire ressortir la blancheur parfaite de cette Thomson Caravan. C’est au point de vue de la couleur, une ni-ni, ni une noir et blanc, ni une couleur.

Cette caravane anglaise bénéficie déjà d’une évolution notable. Elle dispose d’un toit aérodynamique pour diminuer la résistance de l’air. Bien qu’encore pourvue de fenêtres séparées à l’avant, elle a une porte latérale qui peut s’ouvrir à moitié, pour laisser passer l’air en été. La fenêtre du côté est de taille modeste. Comme ces caravanes du début de la grande époque, les fenêtres de l’endroit à vivre sont placées vers l’avant, vers la voiture qui la tracte.  Elle possède aussi un marchepied qui facilite la montée. Ses dimensions modestes en font une caravane facile à tracter et à placer dans un terrain de camping. Et les rideaux « bonne femme » montrent que la caravane est bien tenue, comme à la maison.

Cette publicité pourtant fait ma joie, tant il y a de décalage entre l’arrière-plan très figé et un peu triste et cette fière et souriante dame en tailleur noir, hauts talons et chapeau qui ressemble à ceux que portaient « Queen Mum », la mère de la reine Elisabeth II. Cette campeuse hyper-chic  ne porte pas de sac à mains, ce qu’elle devrait avoir  normalement pour sortir hors de chez elle, mais une canne de marche à la main gauche pour monter dans sa caravane. On l’imagine  partant crapahuter dans la campagne anglaise !  Il y a pourtant un vrai message de croyance en l’avenir : puisque la caravane devient accessible à tous, les femmes peuvent aussi ressembler à des « duchesses » de la noblesse et partir en vacances en caravane, sans déchoir. Dans une société aussi aristocratiquement structurée que l’est l’Angleterre, cela veut dire quelque chose, qui va dans un sens de plus d’ouverture démocratique.  

La « Van Car » de  Van Dooren Caravaning. Voici un autre visuel bien différent, non seulement parce qu’il est belge mais parce qu’on dirait qu’il a une génération d’écart avec le précédent. Il utilise l’orange et le noir pour parler des vacances qui se passent cette fois-ci,  au bord de la mer. Toute la famille est là bien bronzée, orangée devrais-je dire, en maillot de bain. Papa joue au ballon, Fiston vient faire admirer son beau bateau à voile à Maman qui bronze sur une chaise longue près d’un parasol. L’intéressant est maintenant la représentation d’une famille, avec deux actifs, le père avec son ballon et le fils avec son bateau ;  la mère est, elle, occupée à une tâche très difficile, se faire dorer sur une chaise longue. Les trois sont joyeux et souriants.

Mais cette fois-ci, la caravane est située en partie droite du visuel au-dessus du nom de la marque, dans une cartouche de petite taille où l’on voit  la caravane blanche sur fond orange, au-dessus d’une autre cartouche où la marque se détache en blanc sur fond noir. Le design de la caravane est fondé sur la forme ronde. L’aéromodélisme est particulièrement poussé. Son toit est particulièrement travaillé en biais, avec un lanternon qui permet de donner de la lumière en partie haute, à l’endroit où les occupants peuvent se tenir debout en position droite. Visiblement un couple avec un enfant peut y vivre pendant les vacances à la mer. Le positionnement du visuel est différent. Il se fait en mettant en scène les occupants de la caravane, associée directement au cœur des vacances au plaisir du jeu ou du bronzage au soleil.

Van Dooren Caravaning ne s’oublie pas pour autant. Comme pour le précédent, ce modèle est directement fait pour les marchés belges, néerlandais et français. Aartselaar est une ville située près du port d’Anvers, en Belgique.

Pour suivre le chemin

. Thomson Caravan (1908-1982) possède un site de collectionneurs. Je n’ai pas retrouvé la caravane du visuel, antérieur à ceux qui sont présentés. A voir sur  http://www.thomson-caravans.co.uk/

. Van Car aussi a son site de collectionneurs sur lequel on découvre une version postérieure intitulée « Van Car 1 » qui présente un changement appréciable en particulier au niveau du dessin de la grande baie, par rapport au visuel présenté dans ce billet   http://www.bocc.be/FOTOSLEDEN/vancar/vancar.php

. Voir aussi les billets déjà parus dans cette série

Style de Pub > Caravanes > Wima et "A Lire avant vos Vacances"     

Style de Pub > Caravan-e > La Industrial Trailer et la Pierart Sestrière     

Style de Pub Caravane > BlueBird Penthouse vs Pemberton Panorama Range     

Style de Pub Caravanes > L'Aster et la Lucas     

Style de pub Caravane > La Star et la Miami     

Style de Pub > La Blue Bird Caravan     

Styles de pub > Caravane anglaise > Isn't she a beauty?     

Pub caravanes & Co > Un style de vacances > Ma Coquille 01/38     

. Photos EP et dessin de France Poulain pour le recueil des visuels publicitaires qu'elle a constitué à partie de sa collection de livres et d'objets de camping.   Le livret s'intitule "L'objet caravane, Mémoire graphique des années 1960" 

L’homme est un de ces artistes qui regarde toujours devant lui pour continuer à avancer sur le chemin qu’il s’est fixé, en acceptant toujours le hasard, la rencontre, en faisant des tas d’essais pour laisser ses doigts faire autrement, décider pour lui, avec ses yeux aussi toujours en attente, à l’écoute de ses yeux de ce que disent ses mains. Comme un danseur, Il aime la boucle, jouer avec le fil si fin qu’on ne le voit que si on le cherche et pourtant  si solide qu’il sait qu’il peut lui demander beaucoup, comme porter des compositions lourdes de matière et pleines de vide, d’une absence si présente qu’on se demande comment ses œuvres sont faites. Edward Baran fait des boucles sur lui-même, en intégrant à chaque passage des éléments qui vont devenir partie de ses créations, dans une démarche innovante à la fois globale, intégrative et fine. 

Mais avant, pour le licier qu’il est aussi, l’objet de toute son attention est la trame. L’artiste connait particulièrement les lois de la physique de la portance des matières. Il construit sa trame qui formera les fondations de la construction qu’il va ériger au-dessus. Son goût du jeu et de l’aventure va le pousser à perfectionner le ratio entre l’allègement au maximum de la trame, par exemple, avec le renforcement de sa capacité de portance, tout en la montrant en guise d’hommage et de remerciement pour bons et loyaux services rendus. 

Le textile revisité avec du papier et de la colle. On peut regarder les compositions d’Edward Baran, grandes ou petites, de loin, de prés, ou autrement qu’on le ferait pour une peinture. Elles n’en sont pas et pourtant, comme les tableaux, elles s’accrochent au mur. Comme eux en surface, elles portent des peintures sur papier marouflé. Mais à leur différence, elles sont portées par une armure composée d’un fil de chaîne que rencontre un fil de trame de façon alternée. Chaque croisement fait l’objet d’un nœud pour stabiliser ce voile quasiment invisible. Dessus, l’artiste encolle des feuilles de papier déjà marouflé avec beaucoup de colle de façon à assurer la stabilité de l’ensemble.

La déchirure pour laisser passer l’air et le regard. C’est le papier qui assure la première forme directement perceptible, la densité de la matière et la solidité de l’ensemble. C’est à lui qu’Edward Baran demande de figurer l’épaisseur, de façon à créer cette troisième dimension qu’il recherche, comme une sculpture fine et plate, pour brouiller les frontières. On peut  à la fois voir dessus, voir dessous le mur sur lequel se fait l’accrochage et dedans, dans l’œuvre, car on aperçoit la trame qui forme l’ossature, avec à chaque fois qu’une personne s’approche, ces yeux qui se plissent pour comprendre cet effet de perception nouvelle. On sent qu’il y a un mystère. On sait par ailleurs qu’Edward Baran ne choisit pas la facilité. Certains feraient semblant, en collant par-dessus des petits bouts de papier découpés. Lui prépare une grande pièce de papier marouflé qu’il peint et pose sur l’armature et la laisse s’encoller pour faire corps avec la structure. 

La recherche de l’équilibre par le retrait. C’est à ce moment seulement qu’Edward Baran  va sculpter sa création, en ôtant l’excès de matière, en déchirant, de façon volontaire avec un résultat aléatoire, petits morceaux par petites morceaux, le papier solidifié avec de la colle avec beaucoup de couleurs dessous, en grand peintre, joueur de coloris, qu’il est aussi. Le travail est délicat, car le résultat est toujours inattendu, car cet ensemble a sa vie propre. C’est le papier qui décide. Edward Baran déchire à la main. Pour l’artiste il y a, à ce moment-là précis, un pacte avec la matière. C’est aussi une vraie leçon de vie que de voir plus loin, autrement, en enlevant plutôt qu’en ajoutant toujours plus. Chercher la légèreté pour obtenir l’équilibre de l’œuvre.  Trouver le ton, le temps juste, en détruisant ce qui est, juste ce qu’il faut mais pas de trop, pour obtenir ce qu’il cherche, lui, en composant avec le fil et le papier.

Le principe de destruction-création-innovation et la part de la matière. Lors d’une exposition, un visiteur lui a un jour demandé s’il n’avait pas le sentiment de détruire son œuvre en déchirant les interstices entre les nœuds ; cette (auto-)destruction était pour lui difficile à accepter. En réponse, l’artiste lui expliqué qu’il a commencé sa formation à l’Ecole des Beaux-Arts de Varsovie, dans la section de « l’Art textile ».

Pour lui, la matière, la perception, la sensation qu’il en retire sont essentiels, pas seulement dans la création artistique, dans la vie. Créer, c’est sentir la matière, sachant que cette matière devient une Alter Ego, une partenaire associée. C’est à elle qu’il propose. C’est avec elle qu’il compose. Enlever l’excès devient alors une étape nécessaire  à la création, quand on commence à sentir que « ça y est, quelque chose se passe », avec un peu de trop, mais c’est la bonne route, celle qui conduit à la création, en faisant autrement.

Avec la matière, la couleur. Dans l’exposition de l’Abbaye de Bouchemaine de 2012, la couleur joue un  rôle essentiel. C’est elle qui tonne le ton. Parfois en jouant sur une seule teinte, dont le créateur multiplie les subtilités des variantes. Dans la salle du bas, on voit par exemple, un découpage de carton rouge collé sur un autre carton, placé en dessous de quelques centimètres, de façon à donner le relief. La force de ce rouge teintée d’orange est si grande, qu’il a fallu à l’artiste créé un autre modèle différent mais cette fois-ci en vert, un vert jeune, acidulé, dans le même matériau, placé à côté, pour l’équilibrer, à moins que ce ne soit l’inverse. Le vert d’abord, le rouge ensuite, ce que je serai tentée de croire dans ce jeu par paire.

L’usage de la couleur, on le sait n’est jamais facile, du fait même de son pouvoir d’attraction. C’est pourquoi, le  coloriste a joué aussi dans une série de trois autres compositions géométriques dissymétriques, avec le jaune qui éclate de vitalité entre le blanc qui éclaire tout et le noir qui joue de son côté. Et un changement d’importance, l’envers est cette fois-ci devenu l’endroit. Les fils de trame noire sont dessus. Ce sont elles qui apportent aussi un autre élément de désordre dans cet univers géométrique jaune et blanc.  

La fascination pour le vert, le noir et la dimension. C’est ce qui ressort des deux installations entre le bas de l’abbaye et le haut sous la charpente. En bas, des œuvres de moyennes dimensions faciles à installer sur un mur. En haut, sous la charpente de l’abbaye, la taille majestueuse  devient une composante majeure qui exige du visiteur plusieurs aller-retour en va et vient pour tenter de saisir ce qu’il a devant les yeux et dans les yeux.

Sur le pignon le plus proche du pont qui traverse la Maine, c’est le déséquilibre entre le peu de noir en contraste avec l’importance du vide, ou du passage de l'air, qui domine dans cette œuvre très maîtrisée, qui irradie en hauteur sur le mur en triangle. Edward Baran peut pleinement satisfaire son sens de la composition dirigée avec ce cercle rayonnant dans sa grande pureté symbolique qui éclaire toute la grande salle. En face à face, sur l’autre pignon, se trouve l’œuvre textile suspendue verte de 4m sur 2,5m dont j’ai déjà parlée. Le grand espace qui les sépare est nécessaire à l’équilibre de leur puissance d’expression. 

Le franchissement des frontières, la création du nœud modal et la lumière. Chez Edward Baran, on voit que le Textile fait alliance avec le Papier, grâce au Découpage en forme de façonnage, qui porte à son tour la Peinture qui joue la partition de La Couleur. Le textile est le fil qui devient filet, en fortifiant les points de croisement dans une boucle, qui elle-même enduite de colle porte le papier peint avec de la couleur, déchiré en morceaux qui chacun va vibrer différemment à la lumière, du fait de sa forme singulière, de son emplacement et de son voisinage. Le vide et  l'air qui passe, qui se créé entre les petits papiers peints figure plus que l’absence de papier ou de couleur. Ils deviennent une composante de ce qui est, en disant ce qu’ils ne sont pas, et en magnifiant ce qui les entoure et ceux et celles qui les regardent.

On imagine ce que deviendrait un tel accrochage comme celui qui se situe sous la charpente de l’Abbaye, au second étage, avec cette œuvre de 4 mètres de long sur 2,5m de haut, sur un mur qui serait lui-même éclairé. Déjà là, avec la lumière d’un soleil froid de début d’un printemps à frimas venant de la droite  par la petite fenêtre haute et étroite, on perçoit déjà cette vie, comme un feuillage jeune après la pluie, brillant au peu de lumière, avec une toute petite brise réelle ou  imaginaire. 

C’est Edward Baran, comme un danseur, qui pratique, avec beaucoup d’élégance et de grâce, l’art de la boucle et du fil, en guise de nouvelles frontières d'expression. 

Pour suivre le chemin

. Edward Baran a fait ses études à l’Ecole des Beaux-Arts de Varsovie (Pologne), dans l’Atelier « Peinture et Recherche sur les structures tissées ». Il vit et travaille en France depuis 1966, d’abord à Paris, où il a rencontré Maria, architecte, polonaise comme lui, qui est devenue sa femme. Ensuite, le couple s’est fixé à Mougins sur la Côte d’Azur. C’est là que les tapisseries d’Edward Baran ont commencé à être exposées. A la suite d’un accrochage de ses œuvres à Angers, le Directeur de l’Ecole des Beaux-Arts de cette ville  a contacté l’artiste pour savoir s’il serait intéressé par le poste de professeur « Peinture ». « C’est comme cela que ça s’est passé » explique Maria, qui était d’accord à une condition, c’est qu’ils ne dépassent pas la Loire. Ils se sont donc installés à Blaison en rive gauche de la Loire, dans un moulin, « que Maria a choisi » explique Edward en riant!

. Cette interview a eu lieu à l’Abbaye de Bouchemaine en Maine et Loire, juste en face de la confluence avec la Loire , le dimanche  22 avril dernier. Photos EP prises ce jour là.  

. Voir une brève biographie de l’artiste à l’intention des enseignants dans http://musees.angers.fr/fileadmin/plugin/tx_dcddownloads/ArtContemporain.pdf

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